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Bienvenidos a Plano Medio. Un blog de críticas del cine de siempre donde podras descubrir curiosidades de tus películas favoritas.
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| Feb 27 |
Archive for February, 2009El absoluto e irracional miedo a lo desconocido
Y es que aún hoy esta cinta sigue dándonos miedo… Acostumbrados ya a ver vísceras, sangre y asesinos en serie con máscaras de piel humana como el que contempla una paloma posada sobre un tejado, este título sigue dándonos miedo como pocos. ¿Los motivos? Quizá sean muchos, pero me quedo con el temor de nuestro subconsciente hacia esa parte desconocida de nuestra realidad, hacia la vulnerabilidad de nuestro cuerpo y de nuestra mente ante algunos agentes externos, ya sea una enfermedad física o mental o una entidad desconocida que invade nuestro cuerpo. Si a esto añadimos que la víctima de aquel “mal en estado puro” era una niña de rostro angelical (interpretada por una Linda Blair que jamás consiguió desprenderse de este personaje), entonces el resultado se antoja aún más sobrecogedor. Una vez escuché que en determinadas secuencias se insertaron fotogramas de calaveras para añadir un miedo subliminal a las ya de por sí terroríficas imágenes. Esto es algo que no he podido comprobar, por lo que me abstengo de opinar al respecto. La magistralidad con la que están tratadas cada una de sus secuencias, con ese ritmo de intensidad creciente, acompañado de unas buenas Entre sus infinitas curiosidades, me llama personalmente la atención que el personaje de Chris McNeil (interpretado por una sufrida Ellen Burstyn) fuese ofrecido en una primera instancia a Audrey Hepburn, pero la exigencia de ésta de que el rodaje se llevase a cabo en Roma hizo que se descartase a la protagonista de “Desayuno con diamantes” para el papel, dado el alto coste de la exigencia. Un personaje que también fue ofrecido a Jane Fonda, la cual lo descartó por considerar la historia demasiado fuerte para ella. Una película que cosechó nada menos que diez nominaciones a los Oscar (aunque sólo se hiciese con el de mejor guión adaptado y mejor sonido) y que se alzó como ganadora de los Globos de Oro a la mejor película, al mejor director, al mejor guión y a la mejor actriz de reparto. Una absoluta referencia en el cine de los años 70. Buen fin de semama a todos. Marcho a comer a Rey de tallarines. Espero que ninguna de sus salsas me recuerden demasiado a aquella vomitona tan desagradable que la Blair soltaba de vez en cuando por la boca… espero. Místico If you enjoyed this post, make sure you subscribe to my RSS feed! |
Son muchas las leyendas que circulan en torno a esta cinta. Quizá cuando se trata un tema tan delicado como éste y más aún cuando una película como ésta se estrena en la época que lo hizo ella, sólo es necesario añadir la imaginación de un público no acostumbrado a este tipo de historias para conseguir un resultado ciertamente sorprendente. Y es que en 1973, cuando se estrenó “El exorcista“, se dice que muchos tuvieron que abandonar incluso la sala de proyección, asustados ante las imágenes que nos proponía un valiente William Friedkin. Hoy día todo se ve distinto, claro está, pero el cine no se puede entender sin el contexto en el que nacieron cada una de sus 
interpretaciones y una brillante puesta en escena, hicieron de este metraje una referencia en el cine de terror. Su banda sonora (mundialmente conocida), así como su fotografía fueron otras de sus grandes bazas.![[Bloglines]](http://www.planomedio.net/wp-content/plugins/bookmarkify/bloglines.png)
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| Feb 26 |
Archive for February, 2009Lo que el viento nos dejó
Cuatro horas de duración para un relato grande como pocos que nos dibujaba la historia de unos Estados Unidos bajo el prisma de una heroina cinematográfica vestida con trajes de seda. El paralelismo que vemos entre la historia de cambios de un país y los que estos provocaban en la misma resultaron tan metafóricos que se hicieron incluso poéticos. Y es que “Lo que el viento se llevó” es sinónimo de Scarlett O’Hara: uno de los personajes más i Hasta cinco directo Místico If you enjoyed this post, make sure you subscribe to my RSS feed! |
Pocas cosas se pueden decir de una película como ésta que no se hayan dicho hasta la fecha. Y es que esta superproducción de 1939 ha escrito ya con letras doradas muchas líneas en la historia del cine. Ganadora de nueve premios Oscar, su acogida en las salas fue tal que no tardaría en alzarse en su momento como la película más taquillera de toda la historia.
nteresantes de la historia del cine que veríamos evolucionar de niña a mujer en una historia brillante como pocas. Encarnada por una magnífica Vivien Leigh (elección final tras dos años de casting y 1.400 candidatas), no encontró quizá el mejor compañero de baile para este film. No pondré ahora en tela de juicio el talento interpretativo de Clark Gable, pero lo que sí tengo claro es que la química entre ellos resultaba inexistente. Creo simplemente que no era el galán adecuado para interpretar a Rhett Butler, por mucho que la productora tuviese muy claro que el papel iría para él casi desde antes que comenzara la preproducción. Unos secundarios de lujo suplirían con creces aquel fallo de casting. Sirvan de ejemplo una inolvidable Hattie McDaniel (que se convertiría en la primera actriz de color en recibir un Oscar) y especialmente una inconmensurable Olivia de Havilland que emocionaba y convencía en su papel tanto como la propia Leigh.
res estuvieron al frente de un proyecto cuyo rodaje se dilató durante cinco largos meses. Cinco directores de los cuales sólo David O. Selznick aparecería finalmente en los créditos de la cinta. Y es que se podrían citar tantas cosas que hicieron a “Lo que el viento se llevó” la gran obra que hoy día es que no tendría suficiente espacio en este post: su bella fotografía, sus soberbios decorados, aquel guión que adaptaba de un modo tan magistral la novela de Margaret Mitchell, tantas imágenes que nos regaló y que forman parte ya de la historia de la más grande de las artes pero, sobre todo, Scarlett O’Hara y Vivien Leigh… o Vivien Leigh y Scarlett O’Hara, porque hoy, casi 70 años después, estos dos nombres significan ya casi lo mismo…| Feb 25 |
Archive for February, 2009El arte llevado a su última expresión
El estudio de la psique humana, basándose principlamente en las teorías de Sigmund Freud, se erige como base fundamental en la construcción de la película. “Recuerda” se mueve entre el consciente y el subconsciente, entre lo real y lo onírico, entre aquello que sentimos, que pensamos o que nuestra mente esconde. La bella secuencia que plasma los sueños de un confuso Gregory Peck, que fue creda por el mismísimo Salvador Dalí, son una muestra clara de hasta qué punto puede ser artística esta película. Un excelente guión, que no dejaba de lado ni por un instante aquella intriga y suspense que tanta fama le habían dado a su director. Brillantes como no podía ser de otro modo Ingrid Bergman y Gregory Peck, pero más brillante aún la tarea en la dirección de un Alfred Hitchcock que con esta película demostraba que su genio no parecía conocer límites. Le Marquis me espera… Mañana más. Místico If you enjoyed this post, make sure you subscribe to my RSS feed! |
Creo que cuando hablamos del “cine como arte”, existen diversas | Feb 24 |
Archive for February, 2009Rompiendo con los tópicos de un género
“Alien, el octavo pasajero” supuso toda una revolución dentro del género. Una película narrada con maestría y que contó con el apoyo de un público necesitado de nuevas formas de entender el cine. Desgraciadamente, cada vez que una cinta sorprende, surgen un sinfín de título similares que ansían repetir el éxito utilizando los mismos ingredientes que su predecesora. “Alien, el octavo pasajero” también contó con estos imitadores. Lo que olvidan en muchas ocasiones los responsables de estos proyectos es que el éxito de un título no radica en los ingredientes que utilice, sino en la forma de mezclarlos y en eso “Alien” no tenía posible imitador. Y es que este metraje, además de contar con unos efectos especiales brillantes, supo transmitirnos angustia como ningún otro, utilizando para ello escenarios asfixiantes y claustrofóbicos y haciéndonos temer a una criatura que sólo se nos mostraba en partes, a pequeñas dosis, lo cual acrecentaba aún más si cabe nuestro miedo a ella. Que el héroe de esta cinta fuese una mujer fue otro de sus grandes aciertos. Y es que en un principio la nave Nostromo iba a ser ocupada íntegramente por hombres, siendo el actor Tom Skerritt el encargado de meterse en la piel del teniente Ripley. De haber sido así es posible que “Alien, el octavo pasajero” no hubiese tenido tanta trascendencia, pero Ridley Scott tenía talento, y escapando de convencionalismos y clichés, optó porque fuese una mujer la encargada de plantar cara a la más terrible de todas las criaturas. La encargada de ello sería la actriz Sigourney Weaver, no demasiado conocida en aquel momento pero que cumplía con creces los requisitos físicos necesarios para el papel. Qué diferente hubiese sido esta historia si Tom Skerrit se hubiese convertido en el partenaire de aquella extrana criatura, ¿verdad? Dedicado a un buen seguidor de este blog. Místico If you enjoyed this post, make sure you subscribe to my RSS feed! |
Debo reconocer que no soy muy adepto a la ciencia ficción, que han sido pocos los títulos de este género que realmente me gustaron o en los que pude encontrar algo más que dos horas de entretenimiento frente a una pantalla. Creo que éste es un género del que se podría sacar mucho más partido, pero bien por comodidad o bien por falta de ideas, las propuestas que nos han hecho a lo largo de los años se han limitado a seguir unas recetas ya demasiado conocidas.
| Feb 23 |
Archive for February, 2009Entendiendo el significado del miedo
Esta película de 1979 nos hizo pasar miedo, mucho miedo. Y lo hizo de un modo muy distinto al actual: el miedo psicológico de encontrar una pequeña puerta al final de una escalera, de saberla cerrada, de entender que nadie en muchos años la ha abierto y que nosotros, cuando lo hagamos, nos encontraremos con todo aquello que quedó dentro cuando la puerta se cerró. Y conoceremos el miedo que podrán transmitirnos unas telarañas cubriendo muebles antiguos, de una habitación donde aún parecen resonar los ecos de otra época, donde aún se podría escuchar la respiración de sus antiguos habitantes, donde tras una silla de ruedas cubierta de polvo aún podríamos ver la silueta del niño que antaño la ocupó… Místico If you enjoyed this post, make sure you subscribe to my RSS feed! |
Hablar del género de terror es hablar hoy de un género sin prestigio. Durante muchos años (especialmente en los últimos veinte) la gran mayoría de producciones que se han hecho en este campo han ido destinadas a un consumo rápido, sin pretensiones, casi como se consume una hamburguesa en un local de bandeja de plástico. Y es que el nacimiento de nuevos subgéneros (como el terror teen) no han hecho más que empeorar una situación que ya de por sí se presentaba delicada. No debemos olvidar, no obstante, que existieron grandes títulos que encumbraron este género a cotas que en el siglo XXI parecen poco alcanzables. “Al final de la escalera” fue sin duda uno de ellos.| Feb 20 |
Archive for February, 2009El intento fallido de una vuelta al pasado
Y que conste que “Gladiator” es una excelente película (o al menos a mí me lo parece), que su historia (pese a permitirse muchas licencias con repecto a los personajes reales en los que se basaba) es de ésas que enganchan, que sus actores están espléndidos y que su ambientación (pese a que en determinados momentos de la cinta podamos ver algún que otro pantalón vaquero o incluso un carro de “Pepsi”) se me antoja tremendamente lograda. “Gladiator” fue una cinta emotiva, interesante, con tremenda fuerza… un título, en otras palabras, muy bien hecho. Contar con Ridley Scott tras la cámara tuvo que ser esencial para ese resultado final, del mismo modo que las soberbias interpretaciones de Russell Crowe y Joaquin Phoenix (pocas veces tan brillantes como aquí) ayudaron a dar fuerza y convicción a una historia que a muchos nos dejó con un incómodo nudo en la garganta durante los créditos finales. Y seguro que no fui el único, seguro que más de uno salió emocionado de los Cines Callao… Otra título merecedor del Oscar a la mejor película. Místico If you enjoyed this post, make sure you subscribe to my RSS feed! |
“Gladiator” fue una de esas | Feb 19 |
Archive for February, 2009El título que renovó un género
Cuando estudiaba cine (hace ya unos cuantos años) me hablaron de la importancia del “sugerir más que mostrar“. Me enseñaron que la psique humana tendía a ir siempre más allá de lo que sus ojos le mostraban, por lo que si algo no se enseñaba pero en cambio sí se sugería, los efectos que se conseguían en el espectador podían ser sobrecogedores. “El silencio de los corderos” llevó esta regla a su máxima expresión. Éste es un título en el que realmente se muestran pocas cosas, pero se sugieren muchísimas. La angustia que nos produce la cinta no se debe tanto a lo que vemos como a lo que sí podemos imaginar. Soberbia su parte final, con aquella lineas temporales paralelas tan poco habituales en la época; sobrecogedor y angustioso el encuentro final de Clarice Starling con Buffalo Bill, entre terrorífica oscuridad y gafas de visión nocturna y extrañamente bellas y poéticas las secuencias que compartieron Jodie Foster y Anthony Hopkins a través de rejas y cristales. Todo en ejercicio de maestría por parte del director (Jonathan Demme) y un título que marcaría para siempre la carrera de sus dos protagonistas. Una película que marcó la historia de un género y, por extensión, la de todo el cine. Místico If you enjoyed this post, make sure you subscribe to my RSS feed! |
Fue la primera película de este género que ganó el Oscar a la mejor película (y hasta ahora también la última). Fue del mismo modo, junto con “Alguien voló sobre el nido del cuco” y “Sucedió una noche“, el único título que se alzó con los cinco premios más importantes de la ceremonia (película, director, actor, actriz y guión) y fue, ante todo, la cinta que renovó todo un género, que creó una escuela y que dió un significado nuevo al término “thriller psicológico”.| Feb 18 |
Archive for February, 2009El romanticismo de un genio llamado Hitchcock
Su guión, uno de esos guiones que raramente se han vuelto a escribir en nuestros tiempos modernos, nos llevaba a una historia de espionaje, intriga, toques de cine negro y emoción en cada página difíciles de igualar. Una película rabiosamente romántica, que emocionaba de un modo no demasiado habitual en una pelicula de este género, una emoción plasmada en los ojos y el alma de una Bergman que nos llegaba tanto como años atrás en su mítica “Casablanca” y en un Grant que una vez más nos mostraba parte de su enorme talento. La pereja convencía, la historia nos llegaba y Hitchcock se apuntaba otro tanto que levantaría un poco más el mito en el que se acabaría conviertiendo. Místico If you enjoyed this post, make sure you subscribe to my RSS feed! |
Que una película clásica protagonizada por dos actores de la talla de Cary Grant e Ingrid Bergman tendría que ser buena, resulta casi una obviedad. Si para colmo la misma está dirigida por el maestro Alfred Hitchcock, entonces es posible que ya estemos hablando de una “obra maestra”. Esto en principio debería ser así pero, por desgracia, el mago del suspense también tuvo títulos para el olvido y Bergman y Grant no siempre emocionaron en una pantalla de la misma manera. ¿Qué quiero decir con esto? Pues muy sencillo, que “Encadenados” tenía todo a su favor para convertirse en una obra de culto, que tenía muchos ingredientes para ser considerada con los años una obra maestra y que si así lo consiguió (porque ya lo creo que lo hizo) no fue sólo por contar con tres de las personalidades más importantes de aquel momento.| Feb 17 |
Archive for February, 2009Un merecido homenaje para 40 grandes héroes
Cinco años después, Hollywood presentaba a todo el planeta dos producciones basadas en aquella trágica mañana. Una de ellas (el “World Trade Center” de Nicolas Cage) absolutamente olvidable. La otra (”United 93“) digna merecedora de todos los reconocimientos. Teniendo en cuenta lo delicado del tema a tratar, Paul Greengrass se sumergía de lleno en uno de los grandes interrogantes del 11-S: los acontecimientos que se desarrollaron en el interior del avión estrellado en Pensilvania y que podría ir dirigido a la Casablanca o el Capitolio. Sinceramente, dudo que la realidad se asemejara a lo que nos narró esta película. Dudo muchas cosas con respecto a esta fecha, pero lo que tengo claro es que “United 93” al La obra de Greengrass tuvo la aprobación de los familiares de las víctimas una vez se hubo proyectado la película para ellos. Y es que creo firmemente que todos y cada uno de los planos se rodaron con el mayor de los respetos hacia todas ellas, víctimas a cuyos familiares quisieron conocer los actores de la cinta antes de encarnar a dichos personajes. Qué sucedió minutos antes de estrellarse el avión es algo que ninguna película podrá contestar, pero “United 93” sirvió al menos para que el mundo tomase conciencia de que hubo otras muchas víctimas aparte de las que murieron en las Torres Gemelas. Valga desde aquí el homenaje para todos y cada uno de ellos. Místico If you enjoyed this post, make sure you subscribe to my RSS feed! |
11 de septiembre de 2001. El mundo entero se paralizaba ante un acontecimiento que marcaría para siempre la historia de nuestro siglo. El planeta al completo quedaba sobrecogido ante las imágenes que televisiones de todo el mundo reproducían de forma ininterrumpida. Las “Twin Towers”, símbolo de Nueva York, caían ante millones de ojos aterrorizados en lo que suponía el mayor atentado terrorista de la Historia de la humanidad. Estaba claro que semejante capítulo quedaría también plasmado en el cine. Lo único que hacía falta era esperar el tiempo suficiente para que se cicatrizasen algunas de las heridas…
zó merecidamente a la categoría de héroes a unos pasajeros que debieron haber tomado otro vuelo aquella mañana. La angustia que Paul Greengrass consiguió transmitirnos con su “United 93” (narrada casi en tiempo real) podría asemejarse a una pequeña parte de lo que en algún momento pudieron sentir aquellos que iban a bordo del fatídico avión (”una pequeña parte” porque sería imposible plasmar algo así en ninguna película). Y digo esto con el infinito respeto que para mí merecen todos los pasajeros del vuelo 93 de United Airlines, que sin duda es muchísimo.| Feb 16 |
Archive for February, 2009El drama fantástico del corredor de la muerte
Protagonizada por un siempre efectivo Tom Hanks y recreando a lo largo de más de tres horas de metraje una dramática historia carcelaria, “La milla verde” es una de esas películas que engancha al mismo tiempo que emociona. La brillantez narrativa de la cinta delata que esta película está dirigida por Frank Darabont, un director que en 1994 ya tuvo una experiencia similar llevando a la gran pantalla otra novela carcelaria de King titulada “Cadena Perpetua“. Y es que el perfecto ritmo narrativo de ambas obras deja claro que Darabont ha sido el realizador que mejor ha entendido y entiende al genio de Stephen King (ambos se volvieron a encontrar el año pasado en “La Niebla” , película vista por un servidor en Cinebox Plaza Norte) Pero no todos son halagos para esta cinta. A “La milla verde“, en mi opinión, le falló su final. Y en este caso no creo que la culpa sea siquiera del propio Darabont, sino de una historia original de King que, una vez más, se le terminó escapando de las manos. Hablamos de una película cuyos personajes están tan perfectamente construidos, su carga dramática resulta tan brillante y algunos de sus diálogos tan perfectamente escritos, que se hacía innecesario ese giro final tan fantástico. Destacable el actor Michael Clarke Duncan y destacable también la última escena que comparte con el siempre sufrido Tom Hanks. El diálogo de “despedida” que mantienen ambos actores en el interior de la celda es de esos que uno recuerda (o llora) durante mucho pero que mucho tiempo. Un brillante título, en definitiva, para una gran historia. Místico If you enjoyed this post, make sure you subscribe to my RSS feed! |
Creo que mi postura al respecto ha quedado bastante clara en otros post: adaptaciones para la gran pantalla de novelas de Stephen King ha habido muchas, pero buenas